Pablo Picasso und die Linie – Zur zeichnerischen Meisterschaft eines Jahrhundertkünstlers
Picasso als Jahrhundertkünstler zu bezeichnen ist keineswegs eine Übertreibung. Immer wieder aufs Neue verblüfft seine zeichnerische und koloristische Meisterschaft und seine grenzenlose Innovationskraft, die bis zu seinem Tod im Jahr 1973 Picassos rauschhaftes Schaffen auszeichnet. Wohl kaum ein anderer Künstler des 20. Jahrhunderts reicht hinsichtlich seiner fortdauernden schöpferischen Progressivität an Picasso heran, dessen Werk bis ins hohe Alter für zahlreiche kunsthistorische Stilrichtungen prägend war. Picasso war ein Besessener, der geradezu pausenlos nach künstlerischem Ausdruck suchte, sich nicht nur stilistisch und motivisch, sondern auch technisch unentwegt ausprobiert und weiterentwickelt hat. Anders als seine Gemälde jedoch fesseln gerade Picassos Papierarbeiten durch die besondere Unmittelbarkeit des Ausdrucks, mit welcher der Künstler die gerade erst seinem schöpferischen Geist entsprungene Idee aufs Papier setzt. Frei und spontan ist der faszinierende Charakter dieser Schöpfungen, in denen die allein als geistiges Bild existierende schöpferische Idee mit sicherem Strich zur Realität wird.



"Le Sculpteur et son Modèle“ – Künstler und Modell: eines der wichtigsten Themen in Picassos Œuvre
Die farbige Papierarbeit "Le Sculpteur et son Modèle“ ist darüber hinaus ein ganz besonderes und technisch wie qualitativ herausragendes Blatt: Farbig, malerisch und im großen Format ausgeführt, überzeugt diese im Sommer 1933 in Cannes an der Côte d'Azur geschaffene Arbeit, die in direktem zeitlichen Zusammenhang mit der nur einen Tag später datierten Gouache "Le Sculpteur et la Statue" (Zervos XIII, 120, ehemals ebenfalls Paul Rosenberg, Paris, heute Sammlung Berggruen, Berlin) steht. In beiden Zeichnungen setzt sich der Künstler intensiv mit dem kunsthistorisch wie auch für Picasso persönlich bedeutenden Motivkomplex "Künster und Modell" auseinander, das in den Jahrzehnten bis zu seinem Tod in Grafik, Zeichnung und Malerei zu einem seiner wichtigsten Themen werden sollte. Anfang der 1930er Jahre erwirbt Picasso das berühmte Château de Boisgeloup in der Normandie als künstlerischen Rückzugsort und arbeitet im dortigen Atelier inspiriert und gefesselt von den außergewöhnlichen Gesichtszügen seiner neuen Muse, der jungen Marie-Thérèse Walter, an verschiedenen Versionen seiner berühmten Skulptur "Büste einer Frau (Marie Thérèse)". Diese künstlerische Erfahrung und intensive bildhauerische Auseinandersetzung mit seinem Modell und seiner Geliebten muss Picasso im Sommer 1933 an der Côte d'Azur zur künstlerischen Umsetzung dieser persönlichen Schaffenssituation, einer Szenerie mit Bildhauer und Modell, inspiriert haben. Auch wenn Picasso mit einer zeichnerischen Auffassungsgabe gesegnet war, die selbst seine Darstellungen von Ziegen und Katzen berühmt werden ließ, offenbart sich gerade in seiner langjährigen und intensiven Auseinandersetzung mit dem weiblichen Körper sein absolutes zeichnerisches Ausnahmetalent besonders deutlich. In einer Art zeichnerischem Negativverfahren hebt sich das leuchtend im Papierton stehen gelassene Inkarnat des Künstlers und der von ihm geschaffenen Skulptur vor dem in sanftes Blau gehüllten Akt seines Modells ab.



Picassos und Marie-Thérèse Walter – "Le Sculpteur et son Modèle" als intimes Zeugnis rauschhafter Liebe
Orientiert an der berühmten Pygmalion-Szene, wie sie aus der antiken Mythologie und der kunsthistorischen Tradition seit der Renaissance überliefert ist, hat Picasso mit "Le Sculpteur et son Modèle“ ein klassisches und zugleich überaus persönliches Motiv entwickelt. So wie sich der antike Bildhauer Pygmalion in die von ihm geschaffene Statue der Aphrodite verliebt und sich die Skulptur vor seinen Augen verlebendigt und somit Kunst und Realität verschmelzen, hat sich Picasso – der damals noch mit seiner ersten Frau Olga verheiratet war – in sein junges Modell Marie-Thérèse verliebt, die er bereits 1927 als 17-Jährige in Paris kennen und in der Folgezeit lieben lernt.


Bis Mitte der 1930er Jahre gelingt es Picasso, die außereheliche Beziehung zu seiner neuen Muse vor seiner Frau geheim zu halten. Dem weiblichen Akt in "Le Sculpteur et son modèle" hat Picasso jedoch deutlich die klaren Gesichtszüge seiner neuen Liebe zugeschrieben. Künstler und Modell bewundern, nackt und nahe aneinander gelehnt, die nach dem Modell der Geliebten geschaffene Skulptur als ihr gemeinsames Werk. Zudem lässt Picasso die Person des Künstlers nicht nur mit der eigenen Person, sondern auch mit der Darstellung des Fauns als Picassos künstlerischem Alter Ego verschmelzen, wie er zu diesem Zeitpunkt bereits die zahlreichen Blätter seiner berühmten, schließlich 1937 herausgegebenen Grafikfolge der "Suite Vollard" bevölkert. Auf diese Weise wird die erotische Komponente des antiken Themas zusätzlich betont und im Sinne der persönlichen Situation des Künstlers emotional aufgeladen.


Mit Blick auf das azurblaue Meer hat Picasso sich am 19. Juli 1933 an der Côte d'Azur in rauschhafter Perfektion sein durch die Liebe zur jungen Marie-Thérèse aufgewühltes Innerstes von der Seele gemalt. Einem Bild gewordenen Tagebucheintrag gleich ist "Le Sculpteur et son Modèle" deshalb nicht nur ein qualitativ herausragendes Beispiel von Picassos bis heute unangefochtener zeichnerischer Meisterschaft, sondern darüber hinaus ein fesselnd intimes Zeugnis von Picassos großer Liebe zu Marie-Thérèse Walter, die den Jahrhundertkünstler – neben seiner späteren Muse Dora Maar – zu seinen kunsthistorisch bedeutendsten Schöpfungen inspirieren sollte. Das 2023 in New York versteigerte Marie-Thérèse-Porträt "Femme à la montre" (1932) etwa gilt heute international als der zweithöchste Picasso-Zuschlag in der Auktionsgeschichte. [JS]


„Mon cher Rosi – Mon cher Pic“: ein Künstler und sein Galerist
Mit der Eröffnung seiner Galerie in der 21 rue La Boétie im Jahr 1910 begründet Paul Rosenberg (1881–1959) eine der bedeutendsten Adressen der Pariser Kunstwelt. In seinem Programm versammelt Rosenberg neben Picasso auch Größen der Avantgarde wie Georges Braque, Marie Laurencin, Fernand Léger und Henri Matisse. Zunächst vor allem auf den französischen Impressionismus mit Künstlern wie Renoir, Monet und Degas ausgerichtet, ist er zwischen 1918-1939 maßgeblich am Aufstieg Picassos zum zentralen Protagonisten der Moderne beteiligt. Den Künstler und seinen Galeristen verbindet dabei mehr als ein geschäftliches Arrangement – ihre Zusammenarbeit ist geprägt von gegenseitigem Vertrauen, ästhetischer Übereinstimmung und tiefer persönlicher Freundschaft. Rosenberg repräsentiert Picasso nicht nur durch Ausstellungen, sondern stellte ihm auch ein Atelier in der benachbarten 23 rue La Boétie zur Verfügung. Ein besonderer Höhepunkt seiner Förderung Picassos ist die von ihm mitinitiierte Retrospektive „Picasso: Forty years of his art“ im Museum of Modern Art in New York (1939/40), die durch seine enge Verbindung zum damaligen Direktor Alfred H. Barr realisiert werden kann. Dort wird unter anderem das heute in der Sammlung Berggruen beheimatete Pendant zur hier präsentierten Gouache gezeigt.


Raub, Rettung aus einem fahrenden Zug und Restitution
Mit der Besetzung Frankreichs beginnt auch für Rosenberg ein dunkles Kapitel. Unmittelbar nach der deutschen Besatzung im Mai/Juni 1940 werden die systematischen Plünderungen durchgeführt, deren erste Opfer die international bekannten großen Kunsthändler und Sammler sind. Auch Paul Rosenberg stand bereits im Visier der eigens zu diesem Zweck gegründeten nationalsozialistischen Rauborganisation „Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg“ (ERR) unter der Leitung des gleichnamigen Alfred Rosenbergs. Im Juli 1940 wird seine Pariser Galerie enteignet, im September fällt sein in Floirac bei Bordeaux in Sicherheit gebrachter Bestand der Beschlagnahmung zum Opfer. Mehr als 200 Werke bedeutender Künstler – darunter Picasso, Braque, Matisse, Cézanne, Sisley und Van Gogh – werden konfisziert und nach und nach in das zum Raubdepot umfunktionierte Musée du Jeu de Paume in Paris gebracht. Rosenberg hatte sich mit seiner Familie durch die Flucht über Portugal nach New York dem Zugriff der Besatzer entziehen können; ein Jahr später gründet er in der 16 East 57th Street die Galerie Paul Rosenberg & Co.
Etliche der geplünderten Werke werden währenddessen von den Besatzern als Tauschware genutzt, um an hochkarätige Altmeister zu gelangen. Dabei bedienten sich die Deutschen des Netzwerks kollaborierender Kunsthändler wie Raphael Gérard, der während seiner Anfänge Rosenbergs Nachbar in der rue La Boétie gewesen war. Als die Niederlage droht, versuchen die Deutschen, verbliebene Kunstwerke außer Landes zu schaffen und laden im August 1944 148 Kisten mit rund 1.000 Kunstwerken in einen Güterzug, der sich auf den Weg in das Lager Nikolsburg (heute Mikulov, Tschechien) machen sollte. Informiert von der Kunsthistorikerin Rose Valland gelingt es jedoch einem Truppenkommando in Zusammenarbeit mit der Résistance – an dem auch der Sohn Rosenbergs, Alexandre, beteiligt gewesen sein soll – , den Zug umzuleiten und schließlich in Aulnay-sous-Bois nördlich von Paris zu stoppen. Die in diesem Zug verbliebenen Werke Rosenbergs werden von der 1944 geschaffenen Commission de récupération artistique als einige der Ersten restituiert, darunter die vorliegende Gouache. Paul Rosenberg selbst kehrt nach der Befreiung sofort nach Paris zurück und macht sich unter anderem auch in der Schweiz auf die Suche nach weiteren gestohlenen Kunstwerken, deren Verbleib teilweise bis heute ungeklärt ist. [KT]