Über sich selbst sagt Richard Artschwager, seine bedeutendste Charaktereigenschaft sei die Neugier. Das erklärt ein Stück weit seine recht ungewöhnliche Künstlerbiografie, sein gänzlich eigenständiges und ungewöhnliches künstlerisches Denken und insbesondere die Vielseitigkeit innerhalb seines ein halbes Jahrhundert umspannenden Œuvres. Obwohl er schon in jungen Jahren großes Interesse für die bildende Kunst hegt, studiert Artschwager zunächst Mathematik und Naturwissenschaften. Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs gründet er gemeinsam mit seinem Bruder eine Möbelwerkstatt. Erst in den 1960er Jahren beginnt er auf Basis seiner handwerklichen Fähigkeiten seine künstlerische Karriere und schafft eine Reihe eigener Skulpturen. Ein Jahr später wagt er sich schließlich auch an die Malerei heran, inspiriert von einer Schwarz-Weiß-Fotografie.
Der Erfolg lässt nicht lange auf sich warten: bald vertritt ihn die legendäre Leo Castelli Gallery, seine Arbeiten werden gemeinsam mit den Werken von Jasper Johns, Roy Lichtenstein und Andy Warhol gezeigt sowie ab 1965 auch in zahlreichen Einzelausstellungen. In den darauffolgenden Jahrzehnten trifft sein Schaffen stets den Nerv der Zeit: 1968, 1972, 1982, 1987 und 1992 ist Artschwager auf der documenta 4, 5, 7, 8 und IX in Kassel vertreten sowie 1976 und 1980 auf der Biennale von Venedig. 1988/89 ehrt ihn das Whitney Museum of American Art in Washington, D.C. mit einer ersten umfassenden Retrospektive. Sein faszinierendes, geistreiches und widersprüchliches Œuvre umfasst Skulpturen, Installationen, Malerei, Zeichnungen, Druckgrafiken, Fotografie und Möbeldesign (u. a. für Vitra), mit denen er die bisherigen ästhetischen und räumlichen Erfahrungen der Betrachter in Frage stellt.

Auch in seiner Malerei spielt Artschwager gerne mit ungewöhnlichen Materialien. Bereits ab den 1960er Jahren malt er meist auf Celotex, Hartfaserplatten, die vermehrt im Baugewerbe verwendet werden. Die raue Oberfläche verleiht den zweidimensionalen Werken eine reliefhafte, taktile Qualität. Seine meist monochromen Gemälde setzt der Künstler in sehr auffällige Rahmen aus bemaltem Holz oder spiegelndem Metall: sie sind Teil des Kunstwerks, bilden – wie in der hier angebotenen Arbeit – mit der hochglanzpolierten Oberfläche einen reizvollen Gegensatz zu der groben, rauen Haptik der monochromen Malerei und betonen die Dreidimensionalität des Gesamtkunstwerks. Genau darin, in der sorgfältig konstruierten Unbestimmtheit zwischen Malerei und Skulptur, liegt das Ziel des Künstlers. Er schafft Gemälde, die sich in ihrer physischen Präsenz Objekten und Skulpturen annähern und damit eine Ambivalenz, einen fließenden Übergang zwischen den Grenzen beider Gattungen bilden.
Auch motivisch spielt Artschwager gerne mit einer gewissen Ambiguität. In seiner Werkreihe der "Pastorals" meint man auch aufgrund der Titel eine Landschaft zu betrachten. Den vermeintlichen Landschaften ist jedoch jegliche Farbigkeit entzogen und es wirkt, als habe Artschwager ein weißes Tuch über uns visuell verborgene und nur haptisch zu erahnende Gegenstände geworfen.
"Nothing is ever just one thing with Artschwager", bemerkt David Frankel, ehemaliger Leitende/r Redakteur am Museum of Modern Art in New York (zit. nach: Curtain Call. The Art of Richard Artschwager, in: Artforum, November 2000, Vol. 39, No. 3). Deshalb wird Artschwagers Schaffen mal zur Pop Art gezählt, mal zur Minimal Art, dann wiederum zur Konzeptkunst, obwohl es dem Künstler gerade darum geht, die Grenzen innerhalb der Kunst und ihrer Kategorien zu verwischen. [CH]